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Escultura Flying Eros

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Imagen 3D

Flying Eros, siglo II a. C., producción de Myrina. Musée d'Art et d'Histoire (Musée du Cinquantenaire, Bruselas, Bélgica). Hecho con CapturingReality.

Este ejemplo originalmente tenía alas unidas a la espalda. Estaba hecho para ser suspendido: el pie delantero apuntaba y no podía sostener la figura.

Para obtener más actualizaciones, considere seguirme en Twitter en @GeoffreyMarchal.

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Estatuilla de Eros desnudo volando

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Escultura Flying Eros - Historia

Psique y Cupido: la mayor historia de amor de la mitología

Psique y Amor, también conocido como Psique recibiendo Cupido y primer beso n. ° 8217 (1798), de François Gérard: la mariposa que se cierne sobre Psyche simboliza su inocencia, antes del despertar sexual.

Amore e Psiche (1707-09) de Giuseppe Crespi: Se cree que la licnomancia, una forma de adivinación o conjuro de espíritus, está representada aquí en el uso de la lámpara por Psique para ver al dios.

Voluptas aparece en la foto con sus padres, Cupido y Psyche, en el extremo derecho de Banquete de amor y psique de Giulio Romano.

Artículos sugeridos:

Un comentario

¡Mi primer comentario! He sido un adorador de The Ancients desde la infancia. Me permito sugerir el poema tonal del compositor belga / francés Cesar Franck titulado "Psyche", compuesto en 1886 si no recuerdo mal. Es exuberante y genera muchas imágenes & # 8230 (escucho Música Clásica con los ojos cerrados para que me hable tanto en imágenes como en sonido, que convoca las imágenes & # 8230). De todos modos, la versión de Franck tiene Psyche y Eros. De particular belleza es la segunda parte titulada "Les Chardins d'Eros". Describe musicalmente a Psyche siendo transportada a los "jardines de Eros" por Aeolids, quienes son asistentes de Aeolos, Dios de los Vientos. ¡No tiene precio! ¡Oh, Ancestros! ¡Que el pozo de tu inspiración viva para siempre! (¡Como estoy seguro de que lo hará!)

Lo que los Antiguos Inspirados con sus diversas Artes son la Gnosis más invaluable y edificante que jamás pertenecerá a la Humanidad, ¡así lo decreto! (Ok, no soy nadie, ¡pero apuesto a que tendré razón!)


Portalámparas eros

Descripción general

Eros, el dios griego del amor, se muestra como un hermoso joven con características masculinas y femeninas. La figura era originalmente parte de un portalámparas y habría tenido una lámpara de aceite en el zarcillo que sostiene en una mano extendida. La escultura comparte las cualidades expresivas y dinámicas del arte helenístico griego posterior; parece volar en las alas bellamente detalladas. La lámpara de la que proviene la figura probablemente se hizo en el Mediterráneo oriental para una casa o villa rica en Italia. El bronce se ha asociado con un tesoro de artículos de lujo griegos recuperados de un antiguo naufragio cerca de la ciudad de Mahdia en la costa de Túnez.


Arquitectura gótica (c.1120-1500)


Interior de la Catedral de León España.
Un tesoro del arte medieval de la
finales del siglo XIII. Construido durante el
período 1250-1550, ejemplifica
Arquitectura gótica española de la
1250. Tenga en cuenta la bóveda de crucería y
arcos apuntados.

Introducción: La Catedral Gótica

No hay mejor evidencia de la calidad del arte cristiano durante la Edad Media que la catedral gótica. El estilo arquitectónico gótico apareció por primera vez en Saint-Denis, cerca de París, en 1140, y en un siglo había revolucionado el diseño de las catedrales en toda Europa occidental. El antiguo estilo de la arquitectura románica, con sus techos redondeados, enormes paredes gruesas, pequeñas ventanas e interiores oscuros, había sido reemplazado por altos arcos góticos, paredes delgadas y enormes vidrieras, que inundaban los interiores de luz. Al modificar el sistema de bóvedas del techo y emplear contrafuertes voladores para cambiar la forma en que se transfirió el peso de arriba hacia abajo, los arquitectos góticos lograron transformar radicalmente el interior y convertirlo en una experiencia visual mucho mayor. Todo era más alto y de aspecto más frágil, y las columnatas a menudo se extendían desde el suelo hasta el techo, levantando el ojo con una fuerza dramática. En el exterior, una gran cantidad de esculturas de piedra añadieron decoración y narración bíblica, con estatuas de santos en las paredes y complejos relieves alrededor de los portales y puertas. Agregue mosaicos, retablos tallados, fuentes y púlpitos, vívidas vidrieras, exquisitos manuscritos góticos iluminados y valiosa orfebrería eclesiástica, y comprenderá por qué las catedrales góticas constituyeron algunas de las mejores obras de arte jamás realizadas. Ejemplos destacados de estas estructuras incluyen: Catedral de Notre-Dame, París (1163-1345), Catedral de Chartres (1194-1250) y Catedral de Colonia (1248-1880).


Catedral de Colonia (1248-1880)
Un maravilloso ejemplo de
Arte gótico alemán. Observe la
variedad de arbotantes rematados
con agujas.

Características de la arquitectura gótica

El arte gótico evolucionó a partir del arte románico y duró desde mediados del siglo XII hasta finales del siglo XVI en algunas áreas de Alemania. La arquitectura fue la principal forma de arte del gótico, y las principales características estructurales del diseño arquitectónico gótico surgieron de los esfuerzos de los albañiles medievales para resolver los problemas asociados con el soporte de bóvedas de techo de mampostería pesada (techos abovedados) en vanos anchos. El problema surgió porque la mampostería del techo abovedado tradicional ejercía una tremenda presión hacia abajo y hacia afuera contra las paredes sobre las que descansaba, lo que a menudo provocaba un derrumbe. Hasta el período anterior de la arquitectura románica (c.800-1150) inclusive, los diseñadores de edificios creían que los muros de soporte verticales debían hacerse extremadamente gruesos y pesados ​​para contrarrestar y absorber la presión hacia abajo y hacia afuera de la bóveda. Pero los diseñadores góticos resolvieron este problema alrededor de 1120 con varias innovaciones brillantes.

Bóveda acanalada: Contrafuertes voladores: Arco puntiagudo

Primero y más importante, desarrollaron un bóveda de crucería, formada por bóvedas de cañón que se cruzan, cuyas nervaduras de piedra sostenían un techo abovedado de finos paneles de piedra. Esta nueva disposición no solo redujo significativamente el peso (y por lo tanto el empuje hacia afuera) de la bóveda del techo, sino que también el peso de la bóveda ahora se transmitía a lo largo de una nervadura de piedra distintiva, en lugar de a lo largo de un borde continuo de la pared, y podía canalizarse desde el nervio a otros soportes, como pilares verticales o arbotantes, lo que eliminó la necesidad de paredes sólidas y gruesas. Además, los arquitectos góticos sustituyeron los arcos de medio punto de la bóveda de cañón por arcos apuntados que distribuyó el peso de la bóveda en una dirección más vertical.

En pocas palabras, hasta que los constructores góticos revolucionaron el diseño de los edificios, el peso del techo (bóveda) recayó completamente sobre los muros de soporte. Como resultado, cuanto más pesado es el techo o más alto es el techo, más presión hacia abajo y hacia afuera en las paredes y más gruesas deben ser para mantenerse en posición vertical. Una catedral románica, por ejemplo, tenía paredes continuas enormemente gruesas que ocupaban grandes cantidades de espacio y creaban interiores pequeños y oscuros. Por el contrario, los arquitectos góticos canalizaron el peso del techo a lo largo de las nervaduras del techo, a través de las paredes hasta un contrafuerte volador (un semiarco) y luego hacia abajo sobre soportes verticales (pilares) hasta el suelo. En efecto, el techo ya no dependía de las paredes como soporte. Como resultado, las paredes de una catedral gótica podrían construirse mucho más altas (lo que hizo que el edificio fuera aún más impresionante), podrían ser mucho más delgadas (lo que creó más espacio interior) podrían contener más ventanas (lo que llevó a interiores más brillantes y , donde se utilizó arte de vidrieras, más arte bíblico para la congregación).

Todo esto llevó a la aparición de un tipo completamente nuevo de interior de la catedral, cuyas paredes altas y delgadas daban la impresión de una verticalidad vertiginosa, realzada por la luz multicolor que inundaba las enormes extensiones de vidrieras. Su exterior era más complejo que antes, con líneas de pilares verticales conectados a las paredes superiores por arbotantes y grandes rosetones. A medida que evolucionó el estilo, el arte decorativo tendió a reemplazar las cuestiones estructurales. Por lo tanto, se agregó la mampostería decorativa conocida como tracería, junto con una rica variedad de otras características decorativas, incluidos pórticos elevados, pináculos y agujas.

Maestros masones
Los albañiles medievales eran artesanos altamente calificados y su oficio se utilizaba con mayor frecuencia en la construcción de castillos, iglesias y catedrales. Un Maestro Masón era alguien que también tenía a su cargo carpinteros, vidrieros y otros trabajos (y equipos de trabajo). De hecho, todos los trabajadores calificados y no calificados en un sitio de construcción estaban bajo la supervisión del Maestro Masón. Él mismo tenía su base en lo que se conocía como Mason's Lodge. Todos los sitios de construcción importantes tendrían un Mason's Lodge, desde el cual se organizó todo el trabajo en el sitio.

Historia y desarrollo de la arquitectura gótica

Se pueden distinguir tres fases del diseño arquitectónico gótico: gótico temprano, alto y tardío.

Gótico temprano (1120-1200)

La fusión de todos los elementos estructurales antes mencionados en un estilo coherente de arquitectura ocurrió primero en el Ile-de-France (la región alrededor de París), cuyos prósperos habitantes tenían recursos suficientes para construir las grandes catedrales que ahora personifican la arquitectura gótica. La estructura gótica más antigua que se conserva es la Abadía de Saint-Denis en París, iniciada alrededor de 1140. Pronto aparecieron catedrales con bóvedas y ventanas similares, comenzando con Notre-Dame de París (c.1163-1345) y la catedral de Laon (c.1112). -1215). Pronto se desarrolló una serie de cuatro niveles horizontales distintos: el nivel del suelo, luego el nivel de la galería de tribuna, luego el nivel de la galería del triforio, por encima del cual había un nivel superior con ventanas llamado triforio. El patrón de columnas y arcos utilizados para sostener y enmarcar estas diferentes elevaciones contribuyó a la geometría y armonía del interior. La tracería de ventana (divisores de ventana decorativos) también evolucionó, junto con una amplia gama de vidrieras.

El extremo oriental de la catedral gótica primitiva constaba de un saliente semicircular denominado ábside, que contenía el altar mayor rodeado por el deambulatorio. El extremo occidental, la entrada principal del edificio, era mucho más impresionante visualmente. Por lo general, tenía una amplia fachada coronada por dos enormes torres, cuyas líneas verticales estaban contrarrestadas por líneas horizontales de portales monumentales (a nivel del suelo), sobre los cuales había líneas horizontales de ventanas, galerías, esculturas y otros trabajos en piedra. Por lo general, los largos muros exteriores de la catedral estaban sostenidos por líneas de pilares verticales conectados a la parte superior del muro en forma de un semiarco conocido como contrafuerte volador. Este estilo temprano de diseño arquitectónico gótico se extendió por Europa a Alemania, Inglaterra, los Países Bajos, Italia, España y Portugal.

Para una comparación interesante con la arquitectura oriental, consulte: el templo Angkor Wat Khmer del siglo XII (1115-45) y el templo Kandariya Mahadeva del siglo XI (1017-29).

Alto gótico (1200-80) & quotRayonnant & quot

En el continente, la siguiente fase del diseño de edificios góticos se conoce como arquitectura gótica Rayonnant, cuyo equivalente en inglés se conoce como & quot; gótico decorado & quot. La arquitectura gótica rayonnant se caracterizó por nuevos arreglos de decoración geométrica que se hicieron cada vez más elaborados con el tiempo, pero sin apenas mejoras estructurales. De hecho, durante la fase de Rayonnant, los arquitectos y albañiles de catedrales desviaron su atención de la tarea de optimizar la distribución del peso y construir muros más altos, y se concentraron en su lugar en mejorar el "aspecto y la sensación" del edificio. Este enfoque llevó a la adición de muchas características decorativas diferentes, incluidos pináculos (estructuras verticales, típicamente con torres, que remataban pilares, contrafuertes u otros elementos exteriores), molduras y, en particular, tracería de ventanas (como parteluces). El rasgo más característico del gótico rayonnant es el enorme rosetón circular que adorna las fachadas oeste de muchas iglesias, como la catedral de Estrasburgo (1015-1439). Otras características típicas de la arquitectura Rayonnant incluyen el adelgazamiento de los soportes verticales interiores y la fusión de la galería del triforio con el triforio, hasta que las paredes se componen en gran parte de vidrieras con barras verticales de tracería que dividen las ventanas en secciones. Los ejemplos más destacados del estilo Rayonnant incluyen las catedrales de Reims, Amiens, Bourges y Beauvais.

Gótico tardío (1280-1500) & quotFlamboyant & quot

Un tercer estilo de diseño arquitectónico gótico surgió alrededor de 1280. Conocido como arquitectura gótica flamígera, era incluso más decorativo que el rayonnant y continuó hasta aproximadamente el año 1500. Su equivalente en la arquitectura gótica inglesa es el "estilo perpendicular". El rasgo característico de la arquitectura gótica flamígera es el uso generalizado de una curva en forma de S similar a una llama (en francés: flambeado) en la tracería de ventanas de piedra. Además, las paredes se transformaron en una extensión continua de vidrio, sostenida por montantes esqueléticos y tracería. La lógica geométrica se oscurecía con frecuencia al cubrir el exterior con tracería, que cubría mampostería y ventanas, aumentada por complejos grupos de frontones, pináculos, pórticos elevados y patrones de estrellas de nervaduras adicionales en las bóvedas.

El enfoque en la imagen más que en la sustancia estructural puede haber estado influenciado por los acontecimientos políticos en Francia, después de que el rey Carlos IV el Hermoso murió en 1328 sin dejar un heredero varón. Esto provocó reclamos de su pariente masculino más cercano, su sobrino Eduardo III de Inglaterra. Cuando la sucesión fue a Felipe VI (1293-1350) de la Casa francesa de Valois, desencadenó el inicio de la Guerra de los Cien Años (1337), que supuso una reducción de la arquitectura religiosa y un aumento de la construcción de edificios militares y civiles. edificios, tanto reales como públicos.

Como resultado, los diseños góticos flamígeros son evidentes en muchos ayuntamientos, salas de gremios e incluso residencias domésticas. Pocas iglesias o catedrales fueron diseñadas completamente en el estilo Flamboyant, algunas excepciones notables son Notre-Dame d'Epine cerca de Chalons-sur-Marne y Saint-Maclou en Rouen. Otros ejemplos importantes incluyen la torre norte de Chartres y el Tour de Beurre en Rouen. En Francia, la arquitectura gótica flamígera finalmente perdió su rumbo, volviéndose demasiado ornamentada y complicada, y fue reemplazada por las formas clásicas de la arquitectura renacentista importada de Italia en el siglo XVI.

Escultura arquitectónica gótica

La escultura gótica estaba indisolublemente ligada a la arquitectura, de hecho, incluso podría llamarse `` escultura arquitectónica '', ya que el exterior de la catedral gótica típica estaba muy decorado con estatuas de columnas de santos y la Sagrada Familia, así como esculturas narrativas en relieve que ilustran una variedad de temas bíblicos. . Fue una gran fuente de ingresos para los escultores de toda Europa, muchos de los cuales viajaron de un sitio a otro. Durante el gótico temprano, las estatuas y los relieves cambiaron poco con respecto a la escultura románica en sus formas rígidas e hieráticas: observe las figuras en el Portal Real de la Catedral de Chartres (1145-55). Pero durante el siglo XII y principios del siglo XIII, se volvieron más reales, como lo ejemplifican las figuras de la catedral de Reims (c. 1240), que poseen rasgos faciales y cuerpos individuales, así como poses y gestos naturales. La escultura asumió un papel más destacado durante el período 1250-1400, con numerosas estatuas y otras tallas que aparecen en las fachadas de las catedrales, típicamente en sus propios nichos. Luego, alrededor de 1375 en adelante, el idioma cortesano conocido como Arte Gótico Internacional marcó el comienzo de una nueva era de refinamiento y belleza, que rápidamente condujo a una artificialidad exagerada en todos los tipos de arte, incluidas las iluminaciones y la pintura góticas internacionales, así como escultura. Desde aproximadamente 1450, la escultura gótica en Francia fue cada vez más influenciada por la escultura renacentista que se estaba desarrollando en Italia, aunque los estilos tradicionales, especialmente en la talla de madera, persistieron más tarde en Alemania y otras áreas del norte de Europa.

Movimiento de renacimiento gótico (siglo XIX)
Después de reaparecer por primera vez en la arquitectura de finales del siglo XVIII (en la casa de Horace Walpole en Strawberry Hill), los diseños góticos experimentaron un gran resurgimiento durante el período de la arquitectura victoriana (c.1840-1900), especialmente en Inglaterra y Estados Unidos. Defendido por el crítico de arte John Ruskin (1819-1900) y empleado principalmente por sus características decorativas y románticas, el Renacimiento gótico dio un impulso significativo al arte victoriano gracias a edificios como: las Casas del Parlamento (terminadas en 1870), diseñadas por Charles Barry y August Pugin y Fonthill Abbey, diseñados por James Wyatt. En los Estados Unidos, el estilo está ejemplificado por la Trinity Church de Nueva York (1840), diseñada por Richard Upjohn (1802-78), y la Catedral de San Patricio (1859-79), diseñada por James Renwick (1818-95). Para conocer la influencia de la arquitectura gótica en los edificios modernos de Inglaterra y América, consulte: Arquitectura del siglo XIX.

Artículos de arte medieval

& # 149 Arte cristiano medieval (600-1200) Textos iluminados, escultura.

& # 149 Escultura medieval (300-1000) Desde la Antigüedad tardía hasta el románico.

& # 149 Artistas medievales (1100-1400) Desde Gislebertus en adelante.

& # 149 Ottonian Art (900-1050) Arquitectura, tallas de marfil, iluminaciones.

& # 149 Para obtener más información sobre la arquitectura medieval, consulte: Enciclopedia de artes visuales.


El chef Eros cuenta una historia culinaria africana en Eko Re

La exposición culinaria más grande se llevará a cabo en un entorno pintoresco de exhibiciones caprichosas de sabrosas técnicas culinarias, inteligencia gastronómica, entretenimiento musical y narración de historias comisariada por el popular chef de Lagos, Tolu Eros, también conocido como el chef multimillonario, exclusivamente para los mejores paletas y conocedores.

El festival de paletas llamado & # 8221Eko Re & # 8221, traducido libremente como "'This is Lagos" es una apasionante historia de la cocina africana, compuesta y comisariada en una experiencia de degustación de 7 platos por el chef internacional más importante de Nigeria, utilizando la comida como su favorita. canal de expresión, garantizado para dejar hipnotizados a los comensales, como parte de sus primeras vacaciones en los Estados Unidos desde la pandemia de 2020.

The Billionaire Chef y 1952 x Africa, un acelerador del arte, la cultura y la historia africanas, han reservado junio de 2021 y agosto de 2021 para atraer solo a los amantes de la comida más exigentes de las costas de Los Ángeles a Nueva York a unirse a sus vacaciones de verano. recorra y comparta una experiencia culinaria única, inusual e inolvidable, que celebra la realeza africana.

El menú del chef Eros & # 8217 se jacta de los auténticos sabores de África occidental & # 8211 una selección real que celebra la vida y el futuro, resplandeciente con Yaji, una especialidad picante y de nueces de los Hausas que se usa para hacer la popular comida callejera llamada Suya Ewa, hecha de miel frijoles (oloyin) e indígena de los togoleses y benineses de África occidental Egusi, una sopa hecha con semillas de melón y un alimento básico de los igbo del este de Nigeria Sopa de pimienta, hecha de una colección de especias africanas como ataiko, uda y gbafilo , popularmente consumido en África occidental en cervecerías, bodas y en los días fríos de lluvia Asaro, nativo del reino Yoruba, se prepara como un puré esponjoso, arroz Jollof, un arroz clásico a base de tomate con gran importancia regional en África occidental y Zobo, elaborado de hojas de acedera secas de rubí africano también conocidas como & # 8220Yakwan Zobo & # 8221 en la tierra hausa de Nigeria, tradicionalmente convertidas en una bebida caliente que se transfiere a una olla de barro para enfriar. Para la ocasión especial, el inimitable Chef Eros ha convertido la picante bebida Zobo en un delicioso gel que servirá como cuerpo de sabor para el postre final.

Fundador y chef ejecutivo del Chef Eros y copropietarios del restaurante ILE Eros en Lagos, Cookie Jar Bakery y otras empresas gastronómicas en Nigeria, el chef Eros dice: “Como africano que está orgulloso de mi herencia, nuestra historia y cultura siguen siendo incalculables y como tal, se ha convertido en el trabajo de mi vida y # 8217 contar la historia de mi comida africana, un plato a la vez ”.


Por eso los hombres de las estatuas antiguas tienen penes pequeños.

¿Alguna vez has estado recorriendo un museo, contemplando las vistas, empapándote de la cultura y, de repente, te sorprendió lo increíblemente diminutos que son los penes de los hombres en todas las estatuas?

Te diré una cosa, no eres el único si has mirado estas estatuas y te has preguntado por qué los tipos que están en ellas estaban tan ansiosos por quitarse el equipo y ponerse arcillosos. Porque no hay mucho de qué gritar ahí abajo, si sabes a qué me refiero.

Pero afortunadamente alguien ha respondido a esta pregunta en curso: ¿por qué hacer todos tienen pollas tan pequeñas? ¿Se trataba de un caso en el que en general era mucho más frío en ese entonces? Porque todos sabemos lo que le sucede a un pene frío. ¿O estábamos confundiendo a estos chicos con adultos cuando en realidad eran niños prepúberes?

Siempre en la vanguardia del periodismo de investigación, le traemos las respuestas.

De hecho, tenemos que agradecer a la historiadora del arte Ellen Oredsson por la respuesta a esta, después de que pasó una gran parte de su tiempo profesional explicando exactamente qué causó esta epidemia de donaciones pequeñas.

Después de que un lector envió la pregunta a su blog, Cómo hablar de historia del arte, Ellen decidió responder de frente. Puedes ignorar ese juego de palabras.

Todo tiene que ver con los valores culturales, aparentemente. Así que, al igual que en el mundo actual, "los penes grandes se consideran valiosos y varoniles", las cosas eran completamente diferentes en ese entonces. "La mayoría de la evidencia apunta al hecho de que pequeña los penes se consideraban mejores que los grandes ", escribe Oredsson.

"Una de las razones por las que los historiadores, como Kenneth Dover en su libro histórico Homosexualidad griega, han sugerido que los penes pequeños eran más valorados culturalmente es que los penes grandes se asociaban con características muy específicas: locura, lujuria y fealdad ", agrega. Así que mala suerte si tu novio tiene una mentira, no habría sido tan chico. en la época griega antigua.

El historiador del arte también salta en defensa de las estatuas, señalando que "son flácidos. Si comparas su tamaño con la mayoría de los penes masculinos flácidos, en realidad no son significativamente más pequeños de lo que tienden a ser los penes de la vida real". Bien bien. Estamos acostumbrados a un poco de acción de erección por aquí.

"El hombre griego ideal era racional, intelectual y autoritario", explica Oredsson. "Es posible que todavía haya tenido mucho sexo, pero esto no estaba relacionado con el tamaño de su pene, y su pene pequeño le permitió mantener una lógica serena".

Así que ahí lo tienes. Los pollas grandes no significaban peces gordos en el pasado, por lo que los hombres con penes pequeños de todo el mundo ahora pueden respirar con alivio y pasar el rato en museos donde estarán en buena compañía.

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Escultura Flying Eros - Historia

El lote superior de la venta fue esta fina escultura romana de mármol, de 29½ pulgadas de alto, de Eros montando un delfín. Se vendió por 137.500 dólares y data del siglo I al II d.C. Coley destacó la calidad y el estado de esta imagen icónica como motor de valor.

Reseña de Greg Smith, fotos cortesía de Hindman

CHICAGO & # 8211 Las antigüedades florecen en Hindman. En su primera venta como director y especialista senior del departamento de antigüedades en la casa de subastas de Chicago, Jacob Coley organizó una subasta de $ 1 millón. Era la tercera venta que la firma había montado desde el departamento recién formado.

Coley había trabajado anteriormente como director gerente del departamento de arte antiguo en Colnaghi & # 8211 reintroduciendo la galería comercial más antigua del mundo & # 8217 en los Estados Unidos al abrir una sucursal con Carlos Picón en Nueva York en 2017 & # 8211 y antes de eso fue miembro del departamento de arte griego y romano del Metropolitan Museum of Art.

& # 8220Lo que más me interesó fue la oportunidad de trabajar con más material, & # 8221 Coley. & # 8220 Colnaghi era de primera, pero creo que el mercado medio estaba siendo ignorado en gran medida en Estados Unidos. Tienen esa estructura en el Reino Unido, pero no necesariamente en los Estados Unidos. Cuando Hindman se acercó a mí, también reconocieron que había una manera de llenar ese vacío. & # 8221

Coley estaba contento con los resultados de su primera venta.

La sección media de un sátiro de mármol romano se vendería por 75.000 dólares. Este corte selecto de una canica de Satyr mide 45 centímetros de alto y se alinea con la reputación de la criatura de perseguir ménades y obscenidades en general. Procede de la colección de Tina y Simon Beriro.

& # 8220Creo que a primera vista, la fuerza de la venta estaba en el retrato clásico & # 8221, dijo. & # 8220De Ptolomeo III a Trajano, tuvimos una gran representación del retrato griego y romano. Los cinco lotes principales mostraron el deseo de canicas de tamaño mediano a grande. Pero si miras más de cerca, verás que la cerámica antigua y el vidrio funcionan muy bien. & # 8221

La venta encontró a su líder en $ 137,500 con una escultura romana de mármol de Eros montando un delfín. La obra medía 29½ pulgadas de alto y databa del siglo I al II d.C. Tenía una línea de procedencia que se remonta a la década de 1970. Coley dijo que la imagen de Eros con un delfín es prolífica a lo largo del tiempo, comenzando en la antigüedad y progresando hasta el Renacimiento, cuando estas imágenes fueron redescubiertas y reproducidas. & # 8220 Luego estaba la condición, calidad y ejecución de la obra & # 8211 la calidad del rostro y renderizado de Eros & # 8221 Coley. & # 8220A veces los delfines se pueden representar como bastante monstruosos, pero este tiene más encanto que algunos de los otros. & # 8221

La sección media de un sátiro de mármol romano mejoraría su estimación alta de $ 45,000 para aterrizar en $ 75,000. Midiendo 18½ pulgadas de alto, la estatua del segundo siglo EC mostraba al sátiro desnudo & # 8217s trasero y delantero, el pelo en alto relieve trepando por sus piernas como un par de muslos. El falo del sátiro había sido cortado en algún momento del pasado. Coley notó el atractivo sexual de la sección media de la bestia mitológica, que catalogó como & # 8220torso inferior. & # 8221 & # 8220. varios clientes.

El lote de portada de la venta fue esta pantera de mármol griega que recaudó 68.750 dólares. Coley señaló que puede haber sido un par con otro agotado de la colección de la Galería Albright-Knox en 2007. Databa alrededor del siglo III al II a. C.

Otros aspectos destacados romanos incluyeron un retrato de mármol de la cabeza del emperador Trajano, de 11 pulgadas, que se vendió por $ 43,750. Un bronce del siglo II d.C. que representa a Venus generó 22.500 dólares, mientras que un retrato de mármol de un hombre se vendió por 22.500 dólares. Con 27½ pulgadas de alto, el retrato de tamaño natural también data del siglo II d.C. y se destaca por su capa, que según la firma estaba & # 8220 sujeta alrededor de los hombros de una manera que a menudo se ve afectada por príncipes y notables en el servicio militar o cívico. . & # 8221

Con una procedencia que data de antes de 1906, había una cabeza de pantera de mármol griego alrededor del siglo III al II a. C. La casa de subastas dijo que alguna vez perteneció sobre una pantera de mármol de tamaño completo, una figura que a menudo se representa junto a Dionysos. Los postores lo llevaron a $ 68,750. Coley señaló una figura similar desaccesionada por la Galería Albright-Knox en Sotheby & # 8217s en 2007. & # 8220 Este es sin duda del mismo taller del ático & # 8221, dijo. & # 8220La teoría es que estos podrían haber sido un par, aunque el cuello se rompe de manera diferente. Es posible, basado en la evidencia arqueológica donde las parejas de animales se encuentran comúnmente en las parcelas de enterramiento o a lo largo de los límites de demarcación. & # 8221

Otros artículos griegos harían bien, incluidos $ 56,250 pagados por una estela funeraria de mármol con Eurynome que se ilustró en Clairmont & # 8217s 1993 título Classical Attic Tombstones. La imagen central en el panel empotrado presenta dos figuras cogidas de las manos, un gesto de despedida. Coley lo fechó en el siglo IV a. C. Una cabeza de retrato de mármol griego de Ptolomeo III, el tercer faraón de Egipto durante la dinastía ptolemaica, se vendería por 37.500 dólares. Ptolomeo III fue el responsable de la reunificación de Egipto y Cirenaica y la dinastía alcanzaría un crescendo bajo su gobierno. La escultura databa de alrededor de 180-222 a. C. y tenía 7¾ pulgadas de alto.

Una estela funeraria de mármol con una talla elaborada con Eurynome recaudó $ 56,250. Siglo IV a. C.

Los objetos que eran de colecciones antiguas o de la historia de exposiciones destacadas eran populares entre los compradores. Se llevó $ 43,750 una figura femenina reclinada de mármol de las Cícladas que medía 10½ pulgadas de alto. Fue una de las primeras piezas en venta, que data del tercer milenio a. C. o más tarde. Pat Getz-Gentle atribuyó el trabajo al maestro de Stafford, aunque cambiaría el nombre del artista por el de escultor del Louvre. Había sido publicado en cuatro libros y exhibido tres veces.

También de antiguas colecciones se encontraban algunos de los lotes de alto vuelo del Antiguo Egipto. Se vendió por $ 37,500 una máscara de momia de madera, de solo 4¾ pulgadas de alto, que databa del Tercer Período Intermedio, alrededor de 1070 a 712 a. C. El trabajo presentaba una vieja etiqueta de inventario para Dikran Kelekian. & # 8220 Fuimos al archivo de Kelekian y el número coincidía con el inventario, & # 8221 Coley dijo, probando que estaba catalogado antes de 1926. Dikran Kelekian fue uno de los primeros comerciantes en introducir antigüedades en el mercado estadounidense cuando estableció una galería en la ciudad de Nueva York en 1893.

Se vendió por 37.500 dólares una figura de madera pintada del dios egipcio Ptah-Sokar-Osiris, de 19½ pulgadas de alto. La obra tenía su origen en la colección de E Towry White, un egiptólogo de finales del siglo XIX. También había pasado por el Museo Fitzwilliam de Cambridge. La firma escribió: & # 8220Ptah-Sokar-Osiris era una combinación de tres deidades separadas, todas identificadas con la fertilidad y la regeneración, así como con la muerte y el entierro. & # 8221 Coley señaló que todavía tenía fragmentos minerales en los pigmentos, que reflejaría la luz cuando se ilumina.

El egiptólogo inglés de finales del siglo XIX, E. Towry White, figuraba en la lista de procedencia de esta figura de madera pintada del dios egipcio Ptah-Sokar-Osiris, de 19½ pulgadas de alto, que se vendió por 37.500 dólares.

Coley pudo desenterrar algunos descubrimientos en su investigación sobre ciertos objetos. Con 29 pulgadas de alto, un soporte de escultura de mármol romano con un torso masculino se habría descrito ligeramente como fragmentado, a la figura le faltaba la cabeza, el brazo y la pierna. & # 8220 Mirándolo, quieres saber qué es esto, & # 8221 Coley dijo. Pronto encontró una pieza similar, & # 8220Hunter with Dog, & # 8221 en el Museo de Bellas Artes de Boston (Inv. 1984.167). El ejemplo comparable mostraba la figura sosteniendo un garrote en una mano y una liebre en la otra, un jabalí muerto en el suelo y un perro lanzándose hacia arriba para arrebatarle la liebre a su amo. & # 8220Lo que era fragmentario en ese momento, se convierte en algo mucho más, & # 8221, dijo. Se vendió por $ 12,500.

Dos paneles de fragmentos de mosaico romano se vendieron uno cerca del otro en lotes separados a $ 10,000 y $ 10,625. Coley señaló, & # 8220 Estos son solo humildes fragmentos de mosaico, pero fueron publicados en el libro de A. Michaelis & # 8217 1882, Mármoles antiguos en Gran Bretaña. Michaelis fue un arqueólogo y estudioso del arte antiguo y ese libro es un título importante, una obra fundamental. He went around to all the treasure houses in England and cataloged their antiquities collections – we know of a lot of these old British collections because of his efforts.” Mosaic panels from this same floor are currently on exhibit at the Art Institute of Chicago.

In leaving New York City, Coley departed one of the more active trading centers for antiquities in the United States, though he noted that the Midwest holds its fair share of bounty.

“The Midwest has a healthy interest in ancient art, and that statement is substantiated by the amount of Midwestern collections consigned to this sale. We had two Midwest private collections and one of them was quite important.

“Overall I’m very pleased with the results,” he concluded. “There were good results in cultures that aren’t necessarily the strongest – people were willing to go outside Greek, Roman and Egyptian.”


Alexander Calder

Sculptor, world renowned for his stabiles and mobiles begun in the 1930 s. Calder’s vision was broad and groundbreaking, and his output was prodigious—ranging from small figurines to large, architecturally related sculptures, from whimsical toys to stage sets.

Joan Stahl American Artists in Photographic Portraits from the Peter A. Juley & Son Collection (Washington, D.C. and Mineola, New York: National Museum of American Art and Dover Publications, Inc., 1995 )

Alexander Calder was born in Philadelphia in 1898 , the son of the distinguished academic sculptor A. Stirling Calder. Trained as a mechanical engineer, he turned to art, attending the Art Students League in New York City. There he took classes with George Luks, Guy Pène du Bois, Boardman Robinson, and John Sloan and subsequently he established himself as an illustrator and caricaturist in New York.

While in Paris in 1926 , he took up sculpture. After working on wood pieces, he began to make circus figures composed of twisted wire, wheels, string, and cloth. His miniature circus captured the attention of the avant-garde in Paris, where he met and was influenced by a number of artists.

Impressed by the work of Juan Miró, Jean Arp, and Fernand Léger, he created his first abstract stabiles in 1930 . These works also owe much to the rectilinear designs of Piet Mondrian. From these early works and his interest in movement, Calder developed handcranked, motorized, and then wind-powered constructions that were dubbed ​ “ mobiles” by the French artist Marcel Duchamp. These sculptures, usually painted in bold basic colors, turn, bob, and rotate, in a constantly changing relationship to the space around them.

National Museum of American Art ( CD-ROM ) (New York and Washington D.C.: MacMillan Digital in cooperation with the National Museum of American Art, 1996 )

Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection

In eighty-eight striking paintings and sculptures, Crosscurrents captures modernism as it moved from early abstractions by O’Keeffe, to Picasso and Pollock in midcentury, to pop riffs on contemporary culture by Roy Lichtenstein, Wayne Thiebaud, and Tom Wesselmann—all illustrating the com


Frida Kahlo

Frida Kahlo began to paint in 1925, while recovering from a near-fatal bus accident that devastated her body and marked the beginning of lifelong physical ordeals. Over the next three decades, she would produce a relatively small yet consistent and arresting body of work. In meticulously executed paintings, Kahlo portrayed herself again and again, simultaneously exploring, questioning, and staging her self and identity. She also often evoked fraught episodes from her life, including her ongoing struggle with physical pain and the emotional distress caused by her turbulent relationship with celebrated painter Diego Rivera.

Such personal subject matter, along with the intimate scale of her paintings, sharply contrasted with the work of her acclaimed contemporaries, the Mexican Muralists. Launched in the wake of the Mexican Revolution and backed by the government, the Mexican Muralist movement aimed to produce monumental public murals that mined the country’s national history and identity. An avowed Communist, like her peers Rivera, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros, Kahlo at times expressed her desire to paint “something useful for the Communist revolutionary movement,” yet her art remained “very far from work that could serve the Party.” 1 She nonetheless participated in her peers’ exaltation of Mexico’s indigenous culture, avidly collecting Mexican popular art and often making use of its motifs and techniques. En My Grandparents, My Parents, and I, for example, she adopted the format of retablos, small devotional paintings made on metallic plates. She also carefully crafted a flamboyant Mexican persona for herself, wearing colorful folk dresses and pre-Columbian jewelry, in a performative display of her identity.

Kahlo’s early recognition was prompted by French poet and founder of Surrealism André Breton, who enthusiastically embraced her art as self-made Surrealism, and included her work in his 1940 International Exhibition of Surrealism in Mexico City. Yet if her art had an uncanny quality akin to the movement’s tenets, Kahlo resisted the association: “They thought I was a Surrealist but I wasn’t,” she said. “I never painted dreams. I painted my own reality.” 2

Introduction by Charlotte Barat, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture, 2016

Frida Kahlo, The Diary of Frida Kahlo, An Intimate Self-Portrait (New York: Harry N. Abrams, 1995), 252.

“Mexican Autobiography,” Tiempo, April 27, 1953, 92.

The research for this text was supported by a generous grant from The Modern Women's Fund.


Ver el vídeo: Esculturas cinéticas de Theo Jansen (Agosto 2022).